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複眼の映像

『複眼の映像』
橋本忍 著
2006年 文藝春秋

黒澤明と一緒に『羅生門』『生きる』『七人の侍』 などを書き上げたシナリオライター、橋本忍の本。
古臭くて説教くさい本だと勝手に敬遠してきたのだけど、読んでみたら、いやあ、面白かった!!!

昨今の一般的なシナリオの本は、「テクニック」を羅列していることが多い。
しかし本書では、<書く過程>を丁寧に追っていく。
成功例だけでなく、失敗作(興行的)についても同様に触れている。

特に、タイトルにもなっている、共同で脚本を書く(複眼)、という仕事のやり方についての解説が面白い。

もちろん、時代背景や立場によって真似できる・できないもあるでしょう。
しかし、得るものはたくさんあります。

面白いと思った箇所を抜粋します。

・シナリオライターを目指したが、小説家に方向転換して有名になった人はいる。
しかし、小説家からシナリオライターになった例は無い。
これは小説は読み物、シナリオは設計書、という全く性質の異なる別々の生き物であるため。

・一二テーマ、二にストーリー、三に人物設定。
これが、シナリオを書き始める前に必要な事。
これを愚直に積み上げていく。

・シナリオには起承転結がある。起は始まり、承は展開、転は最高潮、結は終わり。
しかし用語が古いので、私たちは、スタート、展開、クライマックス、ラストと呼んだ。
シナリオの構成には、書くことのできぬ四つの段階がある。
これらを4つの箱に分けて「四つ箱、大箱」と呼ぶ。「大箱はどうした」「大箱はどうなってる」などと使った。

・黒澤さんは大学ノートを取り出した。勘兵衛の人物像が書き込んである。背の高さに始まり、草履の履き方、歩き方、他人との応答の仕方、背後から声をかけられた時の振り返り方、ありとあらゆるシチュエーションに対応する立ち居振る舞いが、所々絵を交えて延々と続いている。
私はガーンと棍棒で殴られた感じだった。
シナリオを書く場合、誰でもテーマとかストーリーはそれなりに作るが、面倒臭くて手が抜けるのが人物設定、人物の掘りである。それらをすっ飛ばし、本文の書きに入ってしまう。人物が動き出せば、人間性などは自然に成立するから、二度手間のような気さえする。
でもそれは違う。
人間は恐ろしいほど数多い共通点を持ちながら、一人一人に特質があって違うのだ。だからドラマが成立する。人物を掘り込み、特質を書き込んでこそ、俳優さんの演技にも工夫と努力が生まれる。
シナリオの出来上がりの善し悪しは、面倒でひどくおっくうでつい誰もが手抜きになってしまう、人物の掘りにあると言っても過言では無いのだ。

・黒澤明にはシナリオについての哲学がある。
「仕事は一日も休んではいけない」
彼に言わせれば、シナリオを書く作業はマラソン競走に似ているという。頭を上げてはいけない。目線はやや伏せ目で、前方の一点を見つけ黙々と走る。ただひたすら走り続けていればやがてはゴールに到達する。
黒澤組の1日の仕事量は平均でペラ15枚。朝の10時から午後5時まで7時間。だから三週間籠もれば、実働二十日間で、一本300枚程度の脚本が仕上がる。
休めば逆に体が疲れる。稽古事には一日も体を休ませてはいけないのだ。

・黒澤組の共同脚本とは、同一シーンを複数の人間がそれぞれの眼(複眼)で書き、それらを編集し、混声合唱の質感の脚本を作り上げる。それが黒澤作品の最大の特質なのである。
映画の世界では共同脚本の例は数多い。しかしそれらは誰かの書いたホンに、プロデューサーや監督が修正を希望し、脚本がが応じないため、他のライターを起用して手を入れる、みたいなことが多い。
しかし、黒澤組のように、同一シーンを書き揃え、それらの取捨選択から、隙間や弱みのない、充実した分厚い、新鮮な脚本を作るなど、他に例がない。

****

「共同脚本(複眼)が完璧である」などとは書いていません。
黒澤明という、人を見抜く目を持った強いまとめ役がいてからこそ。
著者ならではの、共同脚本についての分析本である、とも思いました。

日本映画のサウンドデザイン

『日本映画のサウンドデザイン』
紅谷 愃一 著/小島 一彦 監修
2011年 誠文堂新光社

とにかく、現場現場で異なる問題に悩まされる様子が伝わって来ます。
プロの世界にだって、録音にシンプルな答えなどないということが分かる一冊。

カエルの大合唱、セミの大群、海外のまちの騒音・・・。

風が強ければマイクに風防をつけ、録音マンもジャケットを着込む。
塵が舞えばマイクに防塵をつけ、録音マンもゴーグルとマスクをつける。

『羅生門』のアフレコでは、室内収録はおかしいから屋外でやることになったり。

「サウンド・オンリー」とは、本番が終わった後に、録音に不都合があったために、すぐに同じ演技をして音だけを収録すること。これは自主映画でもよくやりますね。

本書から自主映画でも役立つノウハウを取り出すなら、「カメラのフレーム外ギリギリまでマイクを役者に寄せ、可能な限り明瞭な声を同時録音しようと努力する」。この言葉に尽きるんじゃないかと思います。

著者の60年に渡る映画制作の経験をまとめており、
昭和の映画史を記した本にもなっていると思います。

シネマ食堂

『シネマ食堂』
飯島奈美 著
2009年 朝日新聞出版

映画でフードスタイリストとして活動する著者が、
数々の映画のなかに登場する料理を調理・紹介する本です

基本的にはレシピ本に分類されるでしょう。
映画のエピソード満載、というわけではありません。

ただ、こんな料理出てたっけ?みたいな、
ちょっと好きな映画を思い起こさせる出来になっています。

個人的には、『クレイマー、クレイマー』に登場するフレンチトーストがすぐに出てきますね。

料理一つ一つが美味しそうなのはもちろんですが、
料理というのは、写真が大事なだあと思いました。

それはつまり、映画の中でどう描くか、どう撮るか、ということ。

同時に、「物語の中での位置付け」としての料理も立派な登場人物(?)なんだろうなあとも思いました。

映像編集の教科書

『映像編集の教科書』
井上秀明 著
2007年 玄光社MOOK

★カルフ文庫認定!

ちょっと古い本だったので敬遠してましたが、
読んでいて驚きました。

これはすごい良本!!

一般的な映像編集の本って、
単に<機能の使い方>に終始している。
編集ソフトのマニュアル本と変わらない。

でもこの本は、編集者の視点から見た、
映像制作の本となっています。

●映像を編集するといっても、ただつなぐだけではない。
あらかじめ想定したテーマや目的を映像で伝えるために、必要なパーツを抜き出し、それを組み立てていく作業なのだ。

●ドキュメンタリーを作るときは、人間の相関図を作るといい。
何のテーマもなしに撮影し続けると収集がつかなくなる。

こんな、企画についての話から、

●使うのか使わないのかわからないショットは、よっぽど必要ないと感じた時以外は、撮影すべき。
●映像に必要なのは客観性。

なんていう撮影についてまで言及されています。

●こんなアングルで撮影しておくと編集でこんな効果が出るか。
●音楽をどんなタイミングでどう入れるとどんな効果が出るか。

という事例が、ふんだんなイラストで紹介されています。
絵コンテの本としても使えますね。
本書の半分以上が、イラストで占められているくらい。

確かに古い本なので、
「テープが無駄になる」みたいな表現もあります。
しかし、そんなのは頭の中で読み替えればいいこと。

映像編集のテクニックの基礎は、
時代が変わろうと、そんなに変化するものではありません。

<編集とはどういう作業なのか>
という知識が身につく本だと言えるでしょう。

※逆に、
「どの編集ソフトがいいのか」
「デジタルで音を調整する方法」
みたいなことは触れられていません。

フェイクドキュメンタリーの教科書

『フェイクドキュメンタリーの教科書』
白石晃士 著
2016年 誠文堂新光社

ホラー映画などで活躍を続ける著者が、
フェイクドキュメンタリーという手法について語る本。

言葉の分類やこれまでの歴史に始まり、
個人的に行っているテクニックまで。
編集テクニックなども写真入りで紹介されていて参考になります。

付録のDVDには、
企画から撮影終了までの9時間のドキュメンタリーも。
編集のやり方なども参考になります。
※少しかじった人向けかな。

面白いと思った手法をいくつかピックアップしました。
(※少し文体を変更)

・セリフはしっかり用意していたわけではなく、撮る前に「こんな風なことを言って欲しい」と口頭で伝える。文字に囚われて演技がわざとらしくなってしまうから。

・アドリブはあまりない。フェイクドキュメンタリーであっても、脚本がないとダラダラ撮って撮影時間の無駄。脚本段階でいろいろ絞ってリズムを生み出すようにしている。

・キャスティングは重要。芝居っぽい芝居をしない役者を選ぶ。しかしこれは監督の感性でしかない。

・役者のことをよく知り、本人の中にある資質をキャラクター演出に活かす。その資質を利用する。

・カメラは自分で回す。どうしても長回しが多くなるので、ほかの人にカメラを任せると、「かっこいい画角」などをつい目指してしまう。これは感覚的な問題なので、指示を出すのが難しい。

・物語は、カメラを回していても不自然ではないシチュエーションからスタートする。結婚式とか運動会、誕生会、旅行先など。そして、撮り続ける必然性を考える。

・一眼レフの映像は劇映画向きで美しいので使わない。シンプルなカメラの方がリアリティーが出る。

・録音は重要。劇映画のようにセリフっぽく話すわけでもなく、ブツブツ言ったりもするから。

プロジェクションマッピングの教科書

『プロジェクションマッピングの教科書』
田中健司 著
2017年 C&R研究所

プロジェクションマッピングとは、
夜の建物などに、映像を投影する表現手法のこと。

映画制作とは少し違いますが、
制作過程を見ていると限りなく近いと思いました。

教科書と銘打っているだけあって、
関係する内容が網羅的に解説されています。

機材の話だけでなく、
許可申請やチームワークについても。

大掛かりな投影となると、
何人も人手が必要なんですね。

そして、最も共感したことですが
ソフトや制作以外に、
企画力やコミュニケーション力がいかに大事か、と。

これもまた、映画制作も同じですね。

豪快!映画学―ジェームズ・キャメロンTalks About Film

『豪快!映画学
ジェームズ・キャメロンTalks About Film』

ジェームズ・キャメロン&小峰隆夫 著
2001年 集英社インターナショナル

言うまでもないヒットメイカー、
ジェームズ・キャメロン監督への
インタビューをまとめた本です。

日本人著者は、ターミネーター2で
T1000との遭遇シーンで殺される役の人!

この本で気になった箇所をピックアップしてみます。

○実際には体験できないことを、映画の技術で追体験させる。
これがヒットにつながる。

○監督は役者を泣かせるんじゃなくて、観客を泣かせなきゃいけない。

○どんなアイデアを思いついても、どこかで誰がすでに考えてる。
だから、自分の好みにこだわる方が安全。10年15年とずっと関心を持ち続けながら、世間が見過ごしてるような素材。

○絵コンテを使うのは好きじゃない。自由な発想ができなくなるし、どうしても動きのないスナップショットみたいになるから。
※キャメロンは絵が凄まじくうまい
監督のやり方は千差万別。絵が上手に描けるかは関係ない。どうしても必要なのはコミュニケーションののうりょくだけだ。

○最初に技術ありき、ではない。どんな映画が撮りたいのか、に尽きる。

○映画監督になるのに必要なのは、作り方・テクニックを知ることではなく、外に出ていろんな経験をすること。
映画学校の生徒たちには、「人生のことをどれだけ知ってる?」と聞きたい。

○重要なのは、すぐに映画監督になろうとしないこと。まずはスタッフとして映画に関わる。いろんな仕事をすることで、彼らが何を考えているのかを知ることができる。

Star Wars Storyboards: オリジナル・トリロジー

『Star Wars Storyboards: オリジナル・トリロジー』
2015年 Lucasfilm

映画スター・ウォーズの初期3部作の絵コンテです。
ハードカバーの豪華版(お値段も豪華!)。

スターウォーズファンならば文句なしに楽しめるでしょう。
ただ、僕は別の視点でこの本を手に取りました。

それは、「SFという、誰も見たことがない世界をどう絵コンテにするのか?」という疑問からです。

結論から言うと、
「絵コンテを描いてから、そして描きながら作り上げていったのではないか?」と感じました。

まず、ストーリーがあります。
キャラクターの性格、そしてある程度の容姿なども話し合いで決まるでしょう。

しかしそこからはもう、完全に空想の世界です。

絵コンテ作家もたくさん関わっています。
(あちこちで絵のタッチも異なります)

SFだからこそ、絵を描いてみて、そこからあーだこーだと打ち合わせを重ねていく。
これが必須だったのではないかと考えます。
だから、通常の絵コンテよりもしっかりと描き込まれている気がします。

ヨーダやC-3PO、そしてダースベーダーなどのおなじみのキャラクターも、
いまいち絵が固まっていない部分も見受けられます。
(確かにこれはヨーダなんだろうけど、違うな・・という感じ)

映像化される前の青写真を覗いているような、ワクワク感を感じる書籍でした。

クライマックスまで誘い込む 絵作りの秘訣

『クライマックスまで誘い込む
絵作りの秘訣』

マルコス・マテウ=メストレ 著
2014年 designstudiopress

水墨画のようなタッチで描かれているので、
初心者が誰でも描ける、というわけではないでしょう。
タッチはいかにもアメリカン、です。

「構図と光の当たり方を組み合わせた絵作り」についてサンプルを掲載しています。
専門用語もたくさん飛び出します。
しかしこれはいちいち理解する必要もないでしょう。

サンプルを見ればワクワクします。

見上げると威圧感が出て、
見下ろすと不安感が出る、
などは分かりやすい。

それ以外にも、膨大なデータが並んでいます。

例えば・・

●だだっ広い風景にポツンと1台の車があると、
次に何かが起こることを暗示する効果がある。

●首から下だけを見せ、持ち歩くバッグや、
イラついている手の動きを写して緊張感を高める。

●画面に写っている人物も、帽子などで顔が隠れていれば、
構図の一部でありストーリーには関係ないキャラクターとして描ける。

これをそのまま再現するのはなかなかハードルが高いと思いますが、
気に入った構図を選んで、自分の作品に使ってみるのも面白いでしょう。

※著者のブログで絵のタッチが確認できます。
http://marcosmateu.blogspot.jp/

ビデオグラファーのための 音声収録&整音ハンドブック

『ビデオグラファーのための
音声収録&整音ハンドブック』
2017年 玄光社

待ってました!的な本です。

撮影をしたことがある人なら全員、
「音を録るのが難しい」
ということを感じると思います。

前半の基本原理とか波形とか
そういう知識はすっ飛ばし、
途中からの具体的な収録方法を読むといいですね。

そして撮影現場の収録方法だけでなく、
録った音声からノイズを取り除く方法まで。

類書があまりないこともあり、
この本は「買い」です。

でもやっぱり、
「一度は自分で撮影・録音したことがある人向け」
かな。